Arte Gotico

Pintura
Apareció alrededor del ano 1200 Comienza un estilo mas sombrío, oscuro y emotivo.
Se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano mas humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos.
Pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo, al temple o al óleo

La pintura en la baja edad media debía cumplir con tres objetivos fundamentales: Adornar el edificio Evocar los acontecimientos mas destacados Desempeñar una labor pedagógica.

trancurso de la pintura gotica

Se distinguen cuatro fases o estilos :

Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII): Comienza en el siglo XIII y continúa hasta casi mediados del XIV. Se caracteriza principalmente por la importancia que se dan a las líneas del dibujo, que son las que delimitan las masas de color. En los temas domina el naturalismo ingenuo, escenas sencillas que buscan el fácil entendimiento por parte de aquellas personas que lo observen. Se busca principalmente un arte amable, relacionado con el pensamiento de esta época. Las principales representaciones de esta pintura se realizan en tres tipos de obras, la pintura mural, la pintura sobre tabla y las miniaturas.

Estilo italo-gótico o trecentista (s. XIV) Este estilo surge en Italia en el siglo XIII y en el siglo XIV se difunde por toda Europa. Se aprecia un interés por la búsqueda de la profundidad que lleva a grandes estudios sobre la perspectiva clásica, se estudia el cuerpo humano, la importancia de la luz en relación con los colores. Por otra parte el desarrollo de la religiosidad franciscana lleva a una mayor representatividad del sentimiento, se busca la emoción del espectador.
A la obra se le va incorporando cada vez un mayor carácter intelectual. Aparecen también tablas alargadas organizadas como retablos con la figura del santo de mayor tamaño que las demás, las escenas laterales están organizadas en fajas. En Italia destacan también las escuelas romana, sienesa y florentina. Es en estas escuelas donde se sientan las bases del posterior renacimiento pi9ctórico que tendrá lugar en Italia. De todos los autores que trabajan en la Italia de la Baja Edad Media, el más importante es Giotto di Bandone.

Estilo internacional (s. XIV)
Con el estilo internacional comienza la evolución pictórica del siglo XV se manifiesta en toda Europa, alcanzando su mayor esplendor a mediados del siglo, cuando en Italia comienza a aparecer el Renacimiento. El estilo internacional aparece en el centro de Europa por la fusión de las formas del gótico lineal y el estilo trecentista. Sus principales características son la valoración de lo anecdótico y lo expresivo, la estilización de las figuras, la afición a la línea curva que se ve en los abundantes pliegues y en el movimiento, la tendencia a introducir detalles aparentemente naturalistas pero con un carácter simbólico muy definido. Todo esto contribuye a la aplicación de una técnica minuciosa y detallista. Este estilo, que tiene un fuerte desarrollo en las cortes de Berry y Borgoña, tiene una especial importancia en los miniaturistas, que son el fundamento de los pintores flamencos.


Estilo flamenco (s. XV)
Aparece a finales del primer cuarto del siglo XV procediendo de las formas del estilo internacional. La principal característica de esta época es la utilización del aceite como aglutinante de los colores, supone la aparición del óleo, que aporta una mayor viveza a los colores, aumenta su brillo, permite realizar veladuras y crear colores compuestos. Permite también realizar composiciones con una mayor minuciosidad. La pintura flamenca sufre una evolución a lo largo de todo este siglo, distinguiéndose distintas épocas, la de los iniciadores que son los primitivos flamencos; los que trabajan en el segundo tercio del siglo XV concretando el estilo, y los que a finales del siglo insisten en algún aspecto estilístico. En España el estilo hispano-flamenco tuvo un gran desarrollo, con gran cantidad de maestros y de obras. Se introduce por la escuela catalana a mediados del siglo XV, pero en pocos años se difunde por el resto de las escuelas como son la valenciana, Baleares, Córdoba y Castilla.

arquitectura
El estilo gótico nació como tal, en el norte de Francia, a mediados del siglo XII, se da la fecha del 14 de julio de 1140, en que se inició la obra del coro de la Basílica de Saint-Denis, como la fecha de nacimiento de este estilo, sin embargo debe hablarse de su nacimiento como una evolución técnica de las formas de las escuelas románicas regionales, y así ya a finales del siglo XI se había comenzado a construir en Inglaterra la catedral de Durham, con bóveda de crucería y estructura gótica.
Sus elemnentos;
PLANTA.
La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:
De tradición románica. Tienen casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los ábsides o capillas absidiales frecuentemente poligonales.
De salón. La planta carece de crucero de brazos salientes , el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral.

ARCO OJIVAL.
El arco ojival es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica, y vino a suceder al arco de medio punto, propio del estilo románico. A diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.

BOVEDA DE CRUCERIA.
La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta la fecha. La utilización de este tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

CONTRAFUERTES Y ARBOTANTES
Para soportar el empuje del peso de las bóvedas, en vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico los arquitectos góticos idearon un sistema más eficiente: los contrafuertes con arbotantes. Los contrafuertes se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas.


COLUMNAS.
Tienen un nucleo cilindrico rodeado de pilastras y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento moldurado.

CUPULAS.
Las cúpulas se forman de témpanos sostenidos por nervios radiantes que arrancando del octógono formado por los arcos torales y por una especie de trompas muy artísticas situadas en los ángulos determinados por ellos, se unen concurriendo a una clave superior y céntrica.

PUERTAS.
La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

escultura
El estilo gótico sucede al románico, el hecho es que se produce un cambio brusco en la concepción de las formas, se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo.
Los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves; las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el sentido de los arcos.
Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y dinámicas.
Representacion
Los personajes de la escultura gótica, en ese creciente humanismo, abandonan las posturas verticales, simétricas y hieráticas para adoptar posturas cada vez más amaneradas y con gran sentido del movimiento realista.
También se intenta mostrar las emociones de alegría, dolor, ternura, simpatía o tristeza de los personajes.
Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de vida, pareciendo más humanas, con actitudes y gestos cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir sus emo
Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de vida, pareciendo más humanas, con actitudes y gestos cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir sus emociones. Al final las figuras aparecen con rasgos individualizados.
En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí.
Ahora es un arte narrativo, no simbolista.
La temática sigue siendo funda- mentalmente religiosa.
La arquitectura no condiciona el valor plástico de la escultura.
ciones. Al final las figuras aparecen con rasgos individualizados.
En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí.
Ahora es un arte narrativo, no simbolista.
La temática sigue siendo funda- mentalmente religiosa.
La arquitectura no condiciona el valor plástico de la escultura.

El material preferido para la escultura es la piedra, pero también la madera, generalmente policromada.
Etapas:
El período protogótico abarca la segunda mitad del siglo XII y la primera del XIII. Todavía mantiene una influencia muy grande del románico. Se conoce al maestro Mateo que hace el pórtico de la Gloria en Santiago, la cámara Santa de Oviedo, y San Vicente de Ávila.
En el período clásico, mediados del siglo XIII, se entronca con la tradición francesa. Destacan las portadas de las catedrales de Burgos y León.
En el período manierista los talleres más importantes se encuentran en Toledo. Se introduce la estética italiana, más estilizada y con el canon más largo. Las figuras tienen formas blandas, sinuosas y delicadas. Destacan las puertas del Reloj y de Escribanos en la catedral de Toledo, la portada de Santa María de la Guardia y la portada de la catedral de Huesca.
En el período hispano-flamenco se deja sentir la influencia borgoñesa, y del arte flamenco y germánico. Ahora se acentúan las notas patéticas y dolorosas en las expresiones de las figuras, que se hacen más naturales. Dominan los temas de la Virgen y los crucificados. Son característicos los ropajes amplios que producen efectos de claroscuro